Billetterie Théâtre de l'Opprimé : Réservez votre billet

Dans une Cité déstabilisée par les intrigues politiques, le déchirement de la famille Royale, la menace latente de la dernière fée et la frénésie du tant attendu festival de théâtre, Juliette croise et rencontre une foule de personnages qui la guideront vers son avènement.

Héritière du travail de Christopher Nolan, Victor Hugo et Valerie Solanas, Juliette, le Commencement est une pièce épique et éminemment politique. Elle donne la part belle notamment aux personnages féminins de l’univers Shakespearien, aux prises avec les problématiques de la société occidentale.

« Varsovie‚ 1940 : avant que le ghetto ne soit complètement détruit‚ un vieil homme apprend son art de la cartographie à sa petite-fille. Varsovie‚ de nos jours : une femme se passionne pour cette histoire devenue une légende de guerre et part à la recherche de la carte. Peu à peu le passé et le présent se rejoignent : croisement des mémoires‚ des temps et des espaces. Il s’agit de cartographier l’effacement‚ de survivre à la perte par la précision des souvenirs reconstitués‚ « les choses importantes ne se voient qu’à petite échelle ». » (Texte en quatrième de couverture du Cartographe publié aux éditions Les Solitaires Intempestifs). C’est la 11ème pièce issue du répertoire dramatique espagnol que présente la compagnie La Traverse.

Qui déplace le soleil est un conte, une fable d’aujourd’hui. En arrière plan, un homme à une machine-à-coudre veille comme un ange sur le récit. Au premier plan, deux femmes glissent constamment du rôle de narratrices à celui des personnages qu’elles évoquent, alternant récit et dialogues. Elles re vivent, pour mieux les raconter, les événements de l’histoire : l’une des deux femmes arrive dans une maison où l’autre est déjà là, pour louer une chambre. Celle qui arrive s’installe, en quête de sens, pour trouver le calme d’écrire, hantée par l’esprit de son père, le couturier à la machine-à-coudre présent en arrière plan. Dans la relation qui tente de se développer entre les deux femmes, le banal va coexister avec l’étrange, jusqu’au jour où la femme qui reçoit disparaît. La maison est soudainement vacante. Celle qui vient d’arriver reprend sa route, laissant les murs autour de ce qui n’a été qu’un lieu de passage. Le huis-clos entre les deux femmes se fait l’écho des identités bouleversées, des migrations, des frontières qui se traversent et se redéfinissent. Le bruit de la machine-à-coudre se fait entendre, rappelant la force du tissu, du tissage, dans ses lignes entremêlées, autant que les récits intimes se tissent avec l’histoire du monde.

C’est la guerre ! Deux soldats sont catapultés en pleine jungle. Plongés dans un univers modelé par les sons et la vidéo, ces deux personnages (qui ont parfois du mal à se comprendre) nous entraînent dans un périple inspiré des grands classiques du cinéma américain. Un spectacle tout public avec autant d’humour que de délicatesse, entre Charlie Chaplin et Tex Avery.
A travers les yeux de deux personnages dépassés par les événements, la nouvelle création Play War de la Compagnie Discrète est une invitation à revenir en enfance et à s’interroger sur notre rapport à la guerre.

Évoquant l’affaire des bébés volés du Franquisme révélée dans les années 2010, Madre Mía entrecroise les voix d’hommes et de femmes témoins, organisateurs, complices de ces crimes à grande échelle, celles des victimes et de leurs défenseurs. La pièce se focalise sur la complexité de la filiation et de la quête identitaire ainsi que celui de la difficulté de la relation père-fille.

Dans la société d’aujourd’hui qui noie l’individu dès l’enfance dans un globaritarisme de surconsommation de plus en plus absurde et destructif, notre propos est aussi celui de l’éloge du doute. L’objectif est de provoquer des interrogations concernant le positionnement sociétal des jeunes européens, avec leurs opinions et projets de vie, en montrant leurs confusions mais sans en faire le procès. Le spectacle cherchera à éclairer la mise en cohérence de leur « conscience » personnelle, mettant en parallèle leurs aspirations avec celles de leurs parents. Ces parents qui ont fabriqué une société devenue aujourd’hui infanticide : pas d’emplois et précarisation durable des jeunes, baisse de naissances et vieillissement de la population, enfin, par recherche de profits et paresse, legs d’une planète polluée, malade et épuisée. Ça revient de fait, physiquement et symboliquement, à condamner à mort ses descendants : une mort lente, peut–être, comme la chante Brassens, mais une mort quand même.

Pour y questionner / montrer les réactions des jeunes d’aujourd’hui, l’homicide qui justifie notre dramaturgie est un symbole explicite d’infanticide sociétal : une bavure policière provoque la mort de 3 jeunes dont un se révèle être le fils du policier responsable du drame.
Le nouveau correct politically show librement inspirée par « Douze hommes en colère » de Reginald Rose, célèbre modèle de questionnement du doute.

Dans un futur rapproché, le monde ultra-connecté en proie au mal-être, à l’individualisme et à l’isolement, a trouvé son salut grâce à l’IBOX. Un outil thérapeutique révolutionnaire crée par une multinationale vendu par millions qui permet non seulement aux individus de guérir de leurs névroses en revivant les moments décisifs de leur vie en réalité augmentée mais surtout d’accéder à un sentiment oublié qu’on appelle le bonheur.

Tu meurs à cause de l’opinion publique. En 1956, Fernand Iveton, français d’Algérie et ouvrier indépendantiste, pose une bombe dans un local vide de son usine : explosion prévue après la fin du travail pour ne blesser personne. La bombe n’explose pas mais il est arrêté, torturé, et condamné à la peine capitale. On se heurte à la raison d’Etat… L’histoire de Fernand Iveton, tué pour l’exemple, est transmise comme un conte mêlant l’intime à l’Histoire.

Margaux, Capucine, Lola, Camille et Mickaël ont grandi au sein d’une communauté hippie dans les années 70 ; ils ont fait leur révolution à hauteur d’enfance et cru qu’ils pouvaient changer le monde. Séparés, ils se heurtent aux années néolibérales et quand ils se retrouvent, adultes, pour liquider le passé, ils découvrent qu’ils sont liés par un pacte qui les amène à sortir de leur confort pour réinventer une utopie de résistance.

Durant la nuit de la Saint Jean, Julie et Jean, respectivement fille du propriétaire et domestique de la propriété, confrontent leurs désirs d’émancipation et luttent pour leurs survies. Jean désire Julie, l’a toujours désirée, mais la déteste parce qu’elle représente tout ce qui lui a toujours manqué. Julie fantasme un avenir loin de son père et séduit un homme qu’elle méprise. Une lutte commence.

L’Asticot n’aime pas l’école et se pose plein de questions. Il vit seul avec sa mère, Viola. Il ne sait rien de son père qui a été effacé par Viola, comme on tente de chasser un cauchemar obsédant. Durant trois jours, on suit l’Asticot et sa mère dans leurs allers et retours de la maison à l’école. Ils croisent la Femme Lente et l’Homme qui aideront l’Asticot à en savoir un peu plus.

Guillaume est un jeune homme mal dans sa peau et une victime qui s’ignore. A la suite d’une mauvaise rencontre sur Internet, il tombe dans l’addiction à la pédopornographie et s’engouffre de plus en plus dans cette déviance jusqu’à être rattrapé par la justice. Il ne se reconstruira qu’après avoir compris ce qui avait été occulté dans son passé.

La joie, c’est ce qu’on nous a promis, c’est ce que l’on est en droit d’attendre. On en a même fait notre hymne. Et pourtant elle ne vient toujours pas. Les Débutantes, entre danse et théâtre, partent à sa recherche. Et ce n’est pas si simple. Comme une quête impossible. Comme un défi lancé à ceux qui s’unissent, leur imposant compromis et renonciation sans même l’assurance d’obtenir ce que nous méritons. Un jeu de dupes ? Il va falloir se battre. Avec joie.

La scène est vue comme un laboratoire ouvert aux yeux du public. Dans ce laboratoire, les deux protagonistes déclinent l’utilisation et la représentation du corps nu. Succession de mises à nu et de recouvrements du corps, la nudité et le voyeurisme laissent vite place aux corps, aux souffles et aux émotions. Comédien, performeurs, techniciens, enfants, hommes de CroMagnon, les deux protagonistes ne cessent de passer d’une casquette à l’autre au fil des scènes et des sons. Apodysophilie c’est le jeu des apparences et des costumes, des rôles et des codes, au centre de ce tourbillon d’images, seule constante : le corps, l’Homme.

Toute sa vie, Virginia Woolf a défendu l’indépendance des femmes et leur créativité. Autrices britanniques d’hier et d’aujourd’hui se rencontrent autour d’un thé en mémoire de Virginia, évoquant les thématiques de son essai « Une Chambre à Soi » : la maison, l’amour, la théorie de la soeur de Shakespeare. Ce thé sera accompagné de chants de Purcell, Dowland, Marjorie Kennedy-Fraser en passant par Marianne Faithfull et Annie Lennox.

OUSTE est une conférence mouvementée pour deux clowns sur l’art de virer les gens avec légèreté. Vulcano et Lucien nouvellement embauchés et formés à la méthode OUSTE, font la démonstration d’une expulsion efficace, sans émotion.
Leur slogan : « Avec OUSTE, c’est sans effort qu’ils sont dehors ! « . Et si justement nos deux lascars bien malgré eux se laissaient emporter par l’émotion ?

C’est avec un humour féroce et dans un flot furieux de paroles qu’Antonio Tarantino traite du périple qui reconstitue les 9 étapes de la Passion. Par ce spectacle, nous voulons tendre le miroir à notre société qui nie la folie, cherche à éliminer toute altérité. Pour nous, il s’agit de reconnaître dans le malade mental l’individu et par sa fragilité, la folie. Car reconnaître la folie, c’est mettre en valeur l’altérité comme apport spécifique de l’être différent à la vie de la cité.

Il était une fois un pont jeté entre deux pays. Sur ce pont, un ex-droguiste, Havlicek, expulsé d’un côté de la rive, pour cause de faillite, et refusé de l’autre, faute de papiers en règle. Contraint de faire des allers-retours sur ce triste morceau de bois, entre deux postes de douane, il rencontre de truculents personnages et bouleverse la vie locale.

Miguel Zavala propose quatorze photographies.
Quatorze auteurs travaillent sur ces images, en Espagne.
Chaque image est ensuite associée à une pièce brève.
Le Théâtre de l’Opprimé s’appuie sur le matériau de ces pièces dans ses ateliers, une, plusieurs. Parfois toutes.
Différents auteurs, acteurs et actrices, différents metteurs en scène sont à l’œuvre.
Ils ouvrent, comme toujours, la scène au spectateur afin qu’il porte sa voix et que tous dessinent ensemble le chemin de cette réflexion commune.

Dans un royaume imaginaire, quoique si semblable au nôtre, Mer et Molaire Godefroy, deux notables du royaume partent à la recherche de D’orée, leur enfant disparu, vingt-cinq ans après sa disparition. Aux côtés du détective Draft, leur enquête va les mener sur les pas des plus dangereux conspirationnistes du royaume.
Sur un ton comique et absurde, la pièce développe une réflexion sur la notion de pouvoir et de dissidence. La mise en scène s’appuie sur des masques de théâtre javanais qui plonge le spectacle dans un exotisme singulier. Accompagné d’une musique gamelan, le spectateur pénètre dans un univers inconnu et déroutant. La pièce se veut donc comme une réflexion politique menée tambours battants à travers une aventure policière et cocasse, une expérience sensorielle et philosophique.

L’Appel : Un marin, une sirène. Un conte onirique autour d’une impossible rencontre. Ce marin a navigué pendant des années à la recherche d’une quête, d’un rêve, d’un instant. Cette quête est à la fois réelle et irréelle.
Son souhait est de la revoir, l’admirer, la voir danser…

David et Jess s’aiment d’un amour unique. Sacré. Incandescent. Quand David découvre la dépression de sa femme et les dettes qu’elle a accumulées à cause d’achats compulsifs, il essaye de la sauver. De les sauver tous les deux. Cette histoire parle de ce qu’on peut faire par amour et par instinct de survie. De ce qu’on n’arrive plus à faire, même par amour. Cette histoire parle de désespoir. Et d’espoir.

Ivanov de Tchekhov dans une nouvelle production discrète, ridicule, sexy et pleine d’âme. Aussi simple qu’une crise de mi-vie dans son état brutalement ordinaire, cette pièce met en lumière les caractères insatisfaits, les émotions brisées, l’agitation juvénile et la fatigue physique. Des egos autocentrés, indécis et impénétrables s’effondrent férocement dans l’espoir de s’imposer les uns aux autres. Les événements se transforment en une fête glorieusement fastidieuse où le rire et les larmes sont indiscernables. Affamé pour échapper aux contraintes du quotidien, à la pauvreté intellectuelle et financière, Ivanov essaie de se débarrasser des mensonges portés par l’inertie et de prendre des décisions, même si elles font mal.